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Histoire de la mode en France

La mode vestimentaire convoquent les mots « costume » et « habit », elle mêle coutumes, usages, et habitudes. Cependant, elle valorise moins les traditions, que la nouveauté, le « bon goût ». La mode (au sens latin de modus) est une question de posture, d'attitude et d'apparence et donc de codes1.

Déjà, durant l'Antiquité, le poète Ovide écrit qu'en son temps, on voit éclore chaque jour dans l'Empire romain de nouvelles modes2. Le Moyen Âge et la Renaissance en sont férus3, et ce, dès le xiiie siècle. Il existe alors un nombre considérable de divers métiers qui lui sont liés. Chaque génération a ses nouvelles modes et ses élégant(e)s qui leur sont associés4. Cet engouement est tel que, depuis au moins le Moyen Âge, des édits sont publiés afin d'en restreindre l'extravagance.

À la Cour à Versailles, où cette question est centrale, n'arrivant pas à réduire l'importation d'articles de luxe, Louis XIV, arbitre de l'élégance, et Jean-Baptiste Colbert décident de faire de la France le premier fabricant au monde d'articles et produits vestimentaires. De grands noms d'artisans d'art se détachent, comme la marchande de modes Rose Bertin, le perruquier Benoît Binet, des parfumeurs, etc.

Jusqu'au milieu du xxe siècle, on fait fabriquer sur-mesure ou confectionne soi-même ses vêtements5. Le xixe siècle français voit naître le grand couturier, regardé comme un esthète, non le serviteur des codes de la petite bourgeoisie. Peu avant la Première Guerre mondiale, ses créateurs libèrent le corps féminin du corset. Après guerre, la jeunesse s'empare de la mode comme d'une affirmation émancipatrice. Avec les zazous, sous l'Occupation allemande, les adolescents s'inscrivent volontiers en rupture avec l'ordre social établi.

La France des années 1960 voit l'émergence du prêt-à-porter, d'une industrie du vêtement au service de la société de consommation en plein essor, qu'accompagnent des vecteurs de diffusion de masse, que sont les revues de mode, la photographie, le cinéma et la télévision.

Si dès le xvie siècle plusieurs livres, en particulier français et italiens, sont publiés sur la mode du temps6, l'un des premiers ouvrages sur son histoire est peut-être celui de Cesare Vecellio (v.1521-1601), édité à Venise en 1590 et intitulé Habiti Antichi et Moderni di tutto il'Mondo. Au xvie siècle, des gravures représentent les modes anciennes, comme Le bransle des modes françoises7 de Jean Moncornet (1642-1716), datant de 1696, répertoriant quelques-unes d'entre elles depuis François Ier jusqu'à Louis XIV. Au xviiie siècle Guillaume-François-Roger Molé écrit Histoire des Modes Françaises, ou Révolutions du costume en France, Depuis l'établissement de la Monarchie jusqu'à nos jours. Contenant tout ce qui concerne la tête des Français, avec des recherches sur l'usage des Chevelures artificielles chez les Anciens (1773). C'est surtout à partir du milieu du xixe siècle que la publication de tels ouvrages s'accroît, en commençant par Histoire de la mode en France (1858) d'Émile de La Bédollière (1812-1883), sans compter l'édition de nombreuses estampes en couleurs mettant en scène des silhouettes.

Avec Jean-Baptiste Colbert vont naître les premières manufactures liées aux vêtements : face à l'invasion des produits flamands, anglais et italiens, est encouragé l'établissement d'unités de productions à grande échelle d'indiennes, de soieries (Balsan), de cuirs, etc.8

Au début du règne de Louis XIV, l'industrie du luxe est placée sous contrôle de la Couronne8. La France devient véritablement l'arbitre du bon-goût et du style en Europe. L'importance de la mode française et de sa notoriété sont en partie dues à la création de la presse de mode au début des années 1670 (notamment grâce à Jean Donneau de Visé et le Mercure galant) qui transforme l'industrie de la mode, répandant les silhouettes et tendances françaises au-delà de la Cour royale et popularisant les notions de saisons et de changement de styles. Les gravures utilisées représentent alors des hommes ou des femmes, de plain-pied, portant des toilettes répondant aux dernières tendances. Seules les silhouettes sont travaillées, aucun détail n'est apporté dans l'esthétique des visages.

Louis XIV introduit l'une des tendances majeures de l'époque : celle des perruques de cheveux bouclés portées par des hommes. Une croyance populaire veut que Louis XIV ait commencé à porter ce type de perruques à cause de sa calvitie. Le port de la perruque chez les hommes s'est poursuivi pendant près de 150 ans, passant par diverses modes, et cessera après la Révolution française et la vague romantique.

Des règlements qui existaient depuis le xiiie siècle déterminaient la mode : rédigés dans les communes par des magistrats et des seigneurs, ils avaient pour but de veiller aux bonnes mœurs, de favoriser l'industrie locale, de se protéger des influences étrangères et de luxe inutile (les dépenses somptuaires), mais le but principal restait avant tout de maintenir les différences des classes à travers des codes vestimentaires stricts.

Les femmes portaient des cols plus effilés, car le décolleté était élargi jusqu'aux épaules. Elles portaient le plus souvent des jupes en forme de cloches et des corselets avec un grand décolleté. Les manches arrivaient jusqu'aux coudes au maximum. À la maison chaque femme portait un manteau de maison. Les femmes se protégeaient le visage avec un masque, et beaucoup plus tard avec un voile. Autour du cou, les femmes aimaient bien se mettre un col en four, qui était appelé « petit four aux puces », parce qu'on pensait qu'il était destiné à attirer les insectes. Contrairement aux Italiennes, les femmes françaises ne montraient jamais leurs vrais cheveux. La minceur générale des femmes était soulignée par les corselets, qui étaient munis de ressorts métalliques d'une longueur d'un demi-mètre. À la fin du xviie siècle les premières « mouches » apparurent sur les visages des femmes.

Le monde pré-industriel n'était pas indifférent à l'apparence, mais celle-ci avait pour fonction de théâtraliser la hiérarchie sociale. À l'opposé du rejet contemporain de l'uniforme, la coutume assignait à chacun son habit en même temps que son rang social. Jusqu'au xxe siècle, le vêtement de la femme change peu dans sa ligne générale, sauf lors du Directoire, mais les vêtements des courtisans frappent par leur splendeur. Le grand seigneur porte sur son dos sa richesse foncière, pour la montrer, au risque de la dilapider. L'indépendance d'esprit de l'aristocratie se manifeste à certaines époques par la mise en valeur libertine du corps.

En France, c'est au xive siècle que commencent à se diffuser dans le pays les usages vestimentaires de la Cour. La haute couture parisienne sera l'héritière de ce phénomène. Mais la noblesse est protégée de toute véritable immixtion par ses privilèges, y compris celui de porter talons rouges. Peu avant la Révolution française, des almanachs de mode illustrés font connaître la mode de Paris aux lectrices de province et d'Europe. Le même phénomène s'était produit un peu plus tôt en Angleterre. C'est là l'apparition de la presse de mode, ce vecteur essentiel de la libéralisation de l'habit.

Les styles extravagants de la cour royale française ont conduit à d'immenses dettes, à charge des contribuables. Ces dépenses incommensurables ont d'ailleurs contribué à la mauvaise réputation de Marie-Antoinette, constituant même une des revendications à l'origine de la Révolution Française. Même longtemps après sa mort, Marie Antoinette demeure une icône culturelle majeure, associant glamour et richesses.

Avec les sans-culottes, le vêtement prend une signification politique. Rayures et pantalons pervertissent les codes vestimentaires de l'Ancien Régime (), alors que le port de la soie et de vêtements prestigieux de l'Ancien régime est considéré comme contre-révolutionnaire9. Du côté royaliste, Muscadins à la chute de Robespierre, Incroyables et Merveilleuses sous le Directoire, préfigurent le dandysme, voire les futures tribus urbaines. Mais l'accent demeure évidemment mis sur l'appartenance à une élite aristocratique : le droit à l'excentricité est lui-même un privilège. Cependant, la loi du 8 brumaire de l'an 2 (29 octobre 1793) proclame la liberté de s'habiller comme on le souhaite, ce qui préfigure la démocratisation dans l'habillement10.

Dès les années 1830, la confection à façon est en pleine croissance. Elle alimente d'abord les magasins de nouveautés, puis les grands magasins10. Elle sait populariser la mode, utiliser des imitations bon marché des matières nobles, pour satisfaire une population en plein essor, la bourgeoisie qui s'enrichit avec la première révolution industrielle en France.

La mode se constitue réellement avec l'invention de la haute couture qui, tout en recrutant sa clientèle parmi les classes sociales dominantes, n'a cessé de mettre en scène sa proximité avec les artistes. Le créateur de mode réussit à s'imposer comme un « artiste du luxe », selon l'expression de Gilles Lipovetsky. Sous le Second Empire, ce sont des Britanniques comme Charles Frederick Worth et plus tard Redfern, qui inventent à Paris les mannequins vivants et un nouvel usage de la crinoline. Voici donc le grand couturier, qui n'est plus un artisan au service de ses clients, mais qui fait partie de leur monde, un monde plus mélangé qui se constitue alors et se cherche une âme en même temps qu'une légitimité. Avec l'anglomanie et le dandysme, théorisé quelques années plus tôt, du temps de la bohème, par Baudelaire qui promeut l'art de Constantin Guys et sa capacité à saisir l'actuel, il les trouve. Paris devient alors la capitale de la mode, du bon goût, de l'élégance, et ce modèle s'exporte de par son rayonnement11. Les couturiers français installés à l'étranger contribuent également à cette diffusion, comme Caroline Montagne Roux, amie de Jeanne Lanvin, à Barcelone12.

Pour se diffuser, la mode a su faire alliance avec l'image, l'illustration et profite donc de l'invention de la presse illustrée à grand tirage et l'apparition de périodiques dédiés à la mode artistique. La mode fascine des écrivains français, qui comme Honoré de Balzac cherche à en décoder les signes, ou plus tard Stéphane Mallarmé dans L'Art de la mode13 et Octave Uzanne, l'un des premiers historiographes des modes du siècle précédent.

Dans le dernier tiers de ce siècle, apparaissent les premiers parfums de synthèse, que les couturiers vont associer à leurs lignes de vêtements, à leur maison. Le parfum était lié depuis le xviie siècle à la ganterie14.

En parallèle, on a pu observer un rejet de la mode en tant que stigmate de la consommation à outrance. Au Japon, le mouvement Muji se caractérise par la fabrication et la commercialisation de produits sobres, vierges de tout logo. À l'échelle internationale, la philosophie du No Logo - en référence à l'ouvrage de Naomi Klein paru en France en 2001 - vise à résister aux diktats et aux apparences consuméristes.

Au début du xxe siècle, Jeanne Paquin invente les défilés de mode. Il existait une vingtaine de maisons de couture à Paris en 190015. L'émancipation du corps de la femme doit beaucoup à Paul Poiret.

Ces années ont été marquées par un aspect nouveau dans le monde de la mode : la collaboration entre couturiers et artistes plasticiens. Par exemple, Elsa Schiaparelli, rencontre le peintre Salvador Dali. Leur amitié donne naissance à une collection hors du commun, mélangeant styles artistiques et imaginations fulgurantes. La robe Homard de 1937 est une pièce célèbre illustrant cette fusion : ce homard rouge sang sur une robe blanche semble être le symbole des obsessions du peintre.

Pour se diffuser, la mode a su faire alliance avec la photographie et le cinéma. Coco Chanel conclut en 1930 un accord avec Samuel Goldwyn pour habiller les stars d'United Artists.

Après la Seconde Guerre mondiale, le New Look de Dior révolutionne la mode puis Coco Chanel déjà 30 ans auparavant, l'invention des « jeunes » et l'industrialisation accrue. La démocratisation du vêtement va de pair avec une prolifération des mouvements de mode adolescents, inséparables des courants musicaux. Il n'est plus si facile de réduire la mode au prestige d'une élite définie, serait-ce celle du spectacle, ni au souci de distinction au sens sociologique du terme.

Grâce aux médias, la caste spectaculaire, vedettes, artistes et, finalement, top models bien plus tard, fournit à la société des modèles de consommation. Cette bourgeoisie de l'apparence appartient toujours, en fait, à la réalité socio-économique, mais semble en être détachée.

On peut, en effet, noter que le port de tel ou tel vêtement, de tel ou tel accessoire, devient souvent à la mode après qu'une personnalité (people, acteur, top-model, etc.) l'a porté. C'est ainsi que sont devenues à la mode de nombreuses façons de se vêtir. Par exemple :

• le port du Tee-shirt s'est rapidement développé après que les acteurs de cinéma John Wayne, Marlon Brando et James Dean en ont porté à la télévision. Le public fut tout d'abord choqué, pour finalement l'accepter avec le temps. Brooke Shields a contribué à lancer la marque Calvin Klein avec sa célèbre phrase : « savez-vous ce qu'il y a entre mon jean et moi ? »

• Le port du bikini a pris un essor très important lorsqu'en 1956, Brigitte Bardot le rendit populaire dans le film Et Dieu... créa la femme dans lequel elle le portait en toile vichy.
• Le sac conçu par la société Hermès est devenu très à la mode sous le nom de sac Kelly après que la princesse Grace Kelly l'ait porté. La photo publiée par la revue Life magazine en 1956 qui montrait Grace Kelly cachant sa grossesse derrière un grand sac Kelly fut à l'origine de ce mythe.
• Le port du col roulé s'est rapidement développé après que l'acteur de cinéma Noël Coward en a porté.

Dans les années 1960, l'uniformité était plus manifeste que la volonté de se distinguer, qui sert de grille d'interprétation aux sociologues de la mode, depuis Georg Simmel (1904). La mode française est fortement influencée par Londres et son Swinging London. Saint Laurent et Courrèges imposent de nouvelles tendances qui marqueront profondément les décennies suivantes. Les collants, puis le jeans triomphent en France. Il constitue bientôt l'uniforme de la jeunesse mondiale, garçons comme filles. C'est paradoxalement là une façon de revendiquer l'individualité et la décontraction, en rejetant le vêtement « bourgeois ». Le pantalon est maintenant un vêtement féminin.

Dans les années 1970, la mode Hippie d'origine américaine puis la mode punk plus tard influencent le monde, dont la France. Le sportswear d'inspiration américaine prend le pas sur la mode de la rue et connaitra son apogée dans les années 1980.

Dans les années 1980, une nouvelle génération de créateurs émerge auprès du public et révolutionne la mode : Gaultier, Alaïa, Montana, Mugler... La différenciation reprend ses droits.

La compétition dans les looks semble cependant s'estomper au profit de l'éclectisme inspiré de la world music. On notera aussi le succès de la silhouette sportive à l'américaine : survêtement, Tee-shirt, casquette et chaussures souples, ainsi que le retour aux éléments de mode des années 1980.

Enfin, dans les années 2000, deux tendances antinomiques semblent s'imposer en parallèle : la prééminence absolue des marques d'un côté et la contestation radicale de ces dernières de l'autre.

En parallèle, on a pu observer un rejet de la mode en tant que stigmate de la consommation à outrance. Au Japon, le mouvement Muji se caractérise par la fabrication et la commercialisation de produits sobres, vierges de tout logo. À l'échelle internationale, la philosophie du No Logo - en référence à l'ouvrage de Naomi Klein paru en France en 2001 - vise à résister aux diktats et aux apparences consuméristes.

En parallèle, on a pu observer un rejet de la mode en tant que stigmate de la consommation à outrance. Au Japon, le mouvement Muji se caractérise par la fabrication et la commercialisation de produits sobres, vierges de tout logo. À l'échelle internationale, la philosophie du No Logo - en référence à l'ouvrage de Naomi Klein paru en France en 2001 - vise à résister aux diktats et aux apparences consuméristes.

La mode contemporaine exprimerait à la fois une certaine attitude grégaire et le rejet de toute appartenance à une catégorie déterminée. L'adolescence est une classe qui n'en est pas une, une classe d'âge éphémère. L'élite des médias semble vivre dans un monde irréel, instable. Il en va de même pour les mannequins.

Les années 2000 semblent propices au rapprochement épisodique de la mode et l'art contemporain. La mode emprunte des références esthétiques et des thématiques développées par les artistes, et joue également un rôle de plus en plus prépondérant dans le financement de leurs œuvres, via le mécénat et les commandes d'œuvres (notamment par Bernard Arnault et François Pinault) pour les lancements de boutiques et de produits.

Dans les années 2010, d'après le ministère de l'Économie, la mode représente en France 130 000 personnes et un chiffre d'affaires de plus d'une trentaine de milliards d'euros par an16.

Paris est considérée comme la capitale mondiale de la mode, et la présence dans toute la ville de nombreuses boutiques de mode en témoigne. La majorité des marques de mode françaises de premier plan, tels que Chanel, Dior ou Louis Vuitton, ont leur siège dans la ville. Paris organise une semaine de la mode deux fois par an, comme d'autres centres internationaux tels que Milan, Londres ou New York.

En outre, plusieurs marques de mode internationales possèdent des boutiques à Paris comme c'est le cas de Valentino, Gucci, ou Burberry. Les Champs-Élysées sont une avenue souvent comparée à la 5e Avenue new-yorkaise. L'avenue Montaigne, adjacente aux Champs-Élysées, est aussi connue par ses boutiques prestigieuses de mode depuis plusieurs décennies. Depuis le xviie siècle, les maisons de la mode étaient traditionnellement situées dans le quartier autour de la rue Faubourg Saint-Honoré.

Pantalon de cow-boy

Le pantalon de cow-boy , également connu sous le nom de pantalon en jean, jeans, pitusa , 1 mahones , 2 ou avec les anglicismes jeans (prononcé /ʝins/ ) ou blue jean , adaptés à l'espagnol sous le nom de bluyín 3 sont un type de pantalon , généralement en denim ou tissu salopette. Le terme « jeans » fait parfois référence à un style particulier de pantalon, appelé « jean bleu », qui a été inventé par Jacob Davis et Levi Strauss & Co. en 1871 . 4 et breveté par eux le 20 mai 1873. Conçu à l'origine pour les hommes, en particulier les mineurs , ce pantalon est devenu populaire comme vêtement décontracté pour Marlon Brando et James Dean dans leurs films des années 1950, en particulier The Wild One et Rebel Without a Cause 5 qui a conduit au tissu devenant un symbole de rébellion chez les adolescents, en particulier parmi les membres de la sous-culture des graisseurs . Les jeans étaient un article de mode courant dans la sous-culture hippie des années 1960 et le sont restés parmi les sous-cultures des jeunes punk rock et heavy metal .des années 1970 et 1980 . Dans les années 2010, ce vêtement est toujours un article de mode populaire et se décline en différentes coupes, notamment mince, fuselée, ajustée, droite, bootcut, cigarette, bas étroit, taille basse, anti-ajustement et scintillant.

Dans les années 2010, le jean est un vêtement décontracté très populaire dans le monde entier. Ils viennent dans de nombreux styles et couleurs. Cependant, les cow-boys ou les jeans bleus sont particulièrement identifiés à la culture américaine, en particulier au vieil ouest. De plus, bien que les jeans soient surtout connus comme un vêtement de mode dans les années 2010, dans les années 2010, ils sont portés comme vêtements de protection par certaines personnes, comme les éleveurs de bétail et les motocyclistes, en raison de leur grande durabilité par rapport à d'autres tissus courants.

Les plus anciens jeans survivants en 2016 sont des Levi's des années 1880 environ , trouvés en 1998 dans une fouille au Nevada . 6

Son utilisation actuelle est même autorisée dans le cadre des vêtements masculins traditionnels dans des pays comme le Panama , peut-être en raison de la forte influence américaine.

Dans les années 2010, les termes blue jean ou jeans sont des anglicismes utilisés dans une grande partie de l'Amérique latine et acceptés par les Académies de la langue espagnole , à condition qu'ils soient écrits avec l'orthographe adaptée "bluyín" ou "yin[es]". 

Un antécédent important est présenté dans les premiers moulins d'Amérique du Sud, au cours des xvie et xviie siècles , résultant de la confluence des savoir-faire aborigènes pour le coton, une plante naturelle d' Amérique , et les métiers artisanaux apportés de l' Ancien Monde .

Les recherches sur le commerce du denim montrent qu'il est né dans les villes de Gênes , en Italie , et de Nîmes , en France . Gênes, le mot français pour Gênes , peut être à l'origine du mot anglais jeans , qui signifie cowboy en espagnol. À Nîmes, les tisserands ont tenté de reproduire le tissu en jean, mais ont plutôt développé un tissu en sergé similaire qui est devenu connu sous le nom de denim , c'est-à-dire de Nîmes . Le denim de Gênes était un textile Fustien de "qualité moyenne et d'un coût raisonnable", très similaire au velours côtelé de cotonpour lequel Gênes était célèbre et était "généralement utilisé comme vêtement de travail". Le "denim de coton" de Nîmes était plus épais, considéré comme de meilleure qualité et était utilisé "pour des vêtements tels que des chemisiers ou des salopettes". 8 Jusqu'au 19e siècle , la quasi-totalité de l'indigo nécessaire à la teinture des matières provenait des plantations de la brousse indigo en Inde. Elle a été supplantée par la méthode de l'indigo synthétique, mise au point en Allemagne . 9

Au 17ème siècle , le jean était un textile essentiel pour la classe ouvrière du nord de l'Italie. Cela se voit dans une série de peintures de genre du XVIIe siècle environ attribuée en 2015 à un artiste surnommé "Le Maître du Blue Jeans". 10 Les dix peintures représentent des scènes pauvres avec des personnages de la classe inférieure portant un tissu qui ressemble à une cow-girl. Ce tissu aurait été du jean génois, qui était moins cher. La peinture costumbrista est devenue connue à la fin du XVIe siècle , et le thème de la vie basse dans les dix tableaux les place parmi d'autres qui dépeignent des scènes similaires. 11

Le denim n'était pas le seul tissu en coton durable polyvalent, il était utilisé pour tout, des vêtements de travail aux articles de mode. Il y a aussi la salopette . Il a été mentionné pour la première fois au XVIIe siècle , alors qu'il était connu comme un tissu de coton épais, grossier et bon marché, généralement bleu mais parfois blanc, porté par les pauvres dans ce qui était alors une région de Bombay (Inde), une ville appelée Dongri Pier. . Le nom hindi de ce tissu était Dungri . Cela a été exporté en Angleterreet servait à la fabrication de vêtements de travail bon marché et résistants. Les Anglais ont commencé à appeler le drap dungri un peu différemment et il est devenu salopette . 

L'importance du denim dans l'histoire du commerce textile est également montrée. Les marins génois utilisaient des jeans pour couvrir et protéger leurs marchandises sur les quais des éléments. Sous la République de Gênes ( xviie et xviiie siècles ), les marins exportent le jean dans toute l'Europe.

L'invention de la fermeture éclair par Whitcomb L. Judson y a également contribué.

Les jeans sont devenus populaires aux États-Unis lorsque Levi Strauss & Co a introduit les jeans en denim bleu en 1873. 

En 1851, un jeune homme nommé Levi Strauss a émigré d'Allemagne à New York pour travailler avec ses frères aînés, qui tenaient un magasin. En 1853, Strauss s'installe à San Francisco pour créer sa propre entreprise. Jacob Davis était un tailleur qui achetait fréquemment des rouleaux de tissu au grossiste Levi Strauss & Co. En 1872, Davis écrivit à Strauss pour lui demander de s'associer à lui pour breveter et vendre des vêtements renforcés par des rivets . 14 L'idée de Davis était d'utiliser des rivets en cuivre pour renforcer les points de tension maximale, tels que les coins des poches et le bouton. Levi a accepté l'offre de Davis, 15Les deux hommes ont reçu le brevet américain n ° 139 121, pour une "fixation améliorée des ouvertures de poche", le 20 mai 1873 .

La marque classique des jeans Levi's 501.

Davis et Strauss ont expérimenté différents tissus. Une première tentative était le coton brun canard, un tissu de poids inférieur. Constatant que le denim était le matériau le plus approprié pour la fabrication de pantalons de travail, ils ont commencé à l'utiliser pour fabriquer leurs pantalons rivetés. Le denim utilisé a été produit par un fabricant de textile américain. La légende populaire dit à tort qu'il a été importé de Nîmes, en France . Un mythe populaire raconte que Strauss a d'abord vendu des pantalons en toile marron aux mineurs, les a ensuite teints en bleu, revenant au denim, et ce n'est qu'après que Davis lui ait écrit qu'il a ajouté des rivets. 14

L'Amérique du Nord représente 39 % des achats mondiaux de jeans, suivie de l'Europe occidentale à 20 % , du Japon et de la Corée à 10 % et du reste du monde à 31 % . 17

En 2004, les Américains ont dépensé plus de 14 millions de dollars en jeans et en 2005, 15 milliards de dollars. 18 Les consommateurs américains ont acheté 13,8 milliards de jeans pour hommes et femmes au cours de l'année se terminant le 30 avril 2011, selon le cabinet d'études de marché NPD Group. 19

Le terme est apparu pour la première fois en 1795, lorsqu'un banquier suisse du nom de Jean-Gabriel Eynard et son frère Jacques ont déménagé à Gênes pour prendre en charge une entreprise commerciale en pleine croissance. En 1800, les troupes de Masséna pénètrent dans la ville et Jean-Gabriel se voit confier leur ravitaillement. Elle leur a notamment fourni des uniformes de cour en tissu bleu appelés bleus de gènes dont sera ensuite dérivé le célèbre vêtement mondialement connu sous le nom de blue jeans (« cowboys »).

Au départ, les jeans étaient simplement des pantalons robustes portés par les ouvriers d'usine . Pendant cette période, les jeans pour hommes avaient la fermeture éclair sur le devant, tandis que les jeans pour femmes avaient la fermeture éclair sur le côté gauche. Pendant la Seconde Guerre mondiale, moins de jeans ont été produits, mais des «salopettes à la taille» ont été introduites et étaient généralement portées par les soldats américains, parfois portés lorsqu'ils n'étaient pas en service. Dans les années 1960, les jeans pour hommes et pour femmes avaient des fermetures à glissière .dans la partie avant. Des photographies historiques indiquent que, dans les décennies qui ont précédé son passage à la mode, les jeans étaient généralement assez lâches, comme une salopette sans bavette. En fait, jusqu'en 1960, Levi Strauss appelait son produit phare "salopettes taille" au lieu de "jeans".

Après que James Dean les ait popularisés dans le film Rebel Without a Cause (1955), le port du jean est devenu un symbole de rébellion juvénile dans la seconde moitié des années 1950 . Pour cette raison, ils étaient parfois bannis des théâtres, des restaurants et des écoles. 20 Au cours des années 1960, le port de jeans est devenu plus acceptable et, dans les années 1970, il était devenu la mode générale aux États-Unis en tant que vêtement décontracté. 21

Michael Belluomo, rédacteur en chef d'International Sports Magazine, octobre/novembre 1987, p. 45, a écrit qu'en 1965, Limbo, une boutique du New York East Village, a été "le premier détaillant à laver une nouvelle paire de jeans pour obtenir un effet usé, et l'idée est devenue un succès." Il a poursuivi, "[Limbo] a embauché des artistes de l'East Village pour embellir les jeans avec des patchs, des décalcomanies et d'autres détails, et je les ai vendus 200 $. » Au début des années 1980, l'industrie du denim a introduit la technique de lavage à la pierre développée par GWG, également connue sous le nom de "Great Western Garment Co." Donald Freeland d'Edmonton, en Alberta, a été le pionnier de la méthode, qui a contribué à amener le denim sur un marché plus vaste et plus polyvalent. L'acceptation des jeans s'est poursuivie tout au long des années 1980 et 1990, au point où un tel vêtement l'est, dans la première décennie du 21e siècle., un incontournable de la garde-robe, les Américains en possèdent en moyenne sept paires. 22 [ citation nécessaire ] Dans les années 2010, les jeans peuvent être vus portés par des personnes de tous les sexes et de tous les âges.

Traditionnellement, les jeans étaient teints en bleu à l' aide d'une teinture indigo naturelle , d'où leur couleur indigo . Cependant, depuis 2016, la plupart des denims sont teints avec de l'indigo synthétique. Environ 20 000 tonnes d'indigo sont produites chaque année à cette fin, bien que seuls quelques grammes de colorant soient nécessaires pour chaque paire. 23​ Pour les autres couleurs de denim, d'autres teintures doivent être utilisées. Ils peuvent être teints dans n'importe quelle couleur réalisable avec du coton.

Pour plus d'informations sur la teinture, reportez-vous au denim et à la discussion qui y est présentée sur l'utilisation de pigments de couleur.

Les jeunes portent une variété de styles de jeans, y compris des jeans charpentier , des jeans évasés , des jeans skinny et des jeans taille basse . (Rome, 2008)

Levi Strauss a initialement commercialisé des jeans pré-rétrécis en 1963, qui ne rétrécissent plus après l'achat, permettant au consommateur d'acheter la bonne taille. 24 Ce jean était connu sous le nom de jean coupe droite 505. Le 505 est presque identique au 501 à l'exception de la braguette boutonnée. La société Levi a également lancé des jeans bootcut Slim Fit , connus sous les noms de 517 et 527. La différence entre les deux est que le 517 se situe à la taille et le 527 se trouve en dessous de la taille. Levi a ensuite développé d'autres styles, notamment des coupes amples, minces, confortables, décontractées, maigres et régulières avec une jambe effilée.

L'aspect usé ou « délavé à l'acide » est créé en abrasant le jean et/ou en le traitant avec des produits chimiques, comme de la résine acrylique, du phénol, un hypochlorite, du permanganate de potassium, de la soude caustique, des acides, etc. 25

La déchirure ou la décoloration des jeans, tout en se produisant naturellement à la suite de l'usure quotidienne, est parfois délibérée par les vendeurs, les vêtements usés se vendant souvent pour plus d'une paire sans stress. Par exemple, Pucci a vendu des "jeans boyfriend taille mi-haute embellis" pour 600 £ (860 $). 26

Les consommateurs qui veulent des jeans qui ont l'air usés peuvent acheter ceux qui ont subi un traitement spécial. Généralement, pour donner aux tissus un aspect usé, ils sont soit grenaillés chimiquement , soit ajoutés à la pierre ponce au processus de lavage, soit grattés au papier de verre.

Une paire de jeans typique consomme 919 gallons (3 479 litres) d'eau au cours de son cycle de vie (cela comprend l'eau pour irriguer les cultures de coton, fabriquer les jeans et de nombreux lavages des consommateurs). 27

Produire des jeans avec un "look usé" peut être plus dommageable pour l'environnement que les jeans ordinaires (selon la façon dont les composés de déchets sont traités). Le sablage et le traitement au papier de verre risquent de provoquer la silicose chez les travailleurs et, en Turquie , plus de 5000 travailleurs de l'industrie textile ont été touchés par cette maladie et 46 personnes sont décédées. Certaines entreprises ont annoncé qu'elles interdisaient l'utilisation du sablage. 28

Bien que la plupart des jeans soient "pré-rétrécis", ils sont toujours sensibles au léger rétrécissement et à la décoloration lavage après lavage. La société Levi Strauss recommande d'éviter au maximum de laver les jeans. Carl Chiara, directeur de l'image de marque et des projets spéciaux de Levi Strauss, a un credo : moins vous lavez vos jeans, mieux ils s'améliorent. 29 Ces suggestions et d'autres pour éviter autant que possible de laver les jeans ont suscité des critiques. Cory Warren, directeur de LS&Co. Unzipped , précise dans une réponse à cette critique :

Notre conseil est de laver moins fréquemment, mais clairement, vous devez juger par vous-même ce qui est approprié. Journée chaude, sale boulot ? Lavez votre jean. S'il vous plait! Journée froide, travail de bureau ? Vous pouvez peut-être les utiliser deux fois ou plus avant de retourner à la machine à laver. Personnellement, si je porte un jean au travail le vendredi (temps frais, travail de bureau), j'ai tendance à le porter le samedi. Et si le samedi se passe à l'intérieur et que je ne vais pas renverser de nourriture sur moi-même, je pourrais même les prendre le dimanche.Corey Warren 

Pour ceux qui préfèrent s'abstenir de laver leurs jeans, des propositions ont été faites pour les congeler, afin de tuer les germes qui causent les odeurs. Cependant, ce conseil a été remis en question comme inefficace et est remplacé par la suggestion de les cuire pendant dix minutes à 250º Fahrenheit (121,11 Celsius). 30

En Union soviétique, le jean était le symbole du mode de vie occidental . La « fièvre du jean » en URSS débute en 1957, lors du Festival mondial de la jeunesse et des étudiants . 31 Selon un dictionnaire textile russe-anglais de 1961, les jeans étaient à l'origine appelés « l'uniforme des travailleurs » (рабочий костюм, rabochii kostyum ). 32

Les jeans des marques Rokotov et Fainberg portent le nom des accusés dans l'affaire Rokotov-Faibishenko, qui ont été exécutés, entre autres, pour trafic de jeans. 31

Levi Strauss & Co. (/ ˌliːvaɪ ˈstraʊs / ) ou encore Levi's (/ liːˈvaɪs /) est un producteur de vêtements américain coté en bourse , surtout connu dans le monde entier pour la marque de jeans Levi's . Elle a été fondée à San Francisco , Californie ( États - Unis ) en 1853 par Levi Strauss , un immigrant d' origine juive de Buttenheim , dans la région de Franconie de l' État fédéral de Bavière , au sud de la Bavière .Allemagne .

Le chiffre d'affaires en 2018 s'élevait à 5 600 millions USD, 5 et elle compte plus de 15 100 employés. 

Levi Strauss est né en Bavière en 1829. En 1853, lors de la ruée vers l'or , il s'installe dans la ville de San Francisco ( États-Unis ) pour ouvrir un commerce de vente de vêtements, bottes et autres objets aux petites boutiques de l'Ouest américain. A cette époque, il y avait une forte demande de vêtements de travail résistants, de la part des mineurs , des agriculteurs et des éleveurs. 7 Levi Strauss fabriquait des jeans en coton , même si ces pantalons avaient un problème et c'est que les mineurs, en mettant leurs outils dans les poches, déchiraient le tissu. 8

En 1872 , Jacob Davis , un tailleur juif d'origine russe vivant à Reno, Nevada, s'associe à Levi Strauss pour créer et breveter des vêtements de travail renforcés de rivets en cuivre , fabriqués à partir de toile et de tissu de coton marron.Denim bleu d'origine.

Le 20 mai 1873 , l'Office des brevets et des marques des États-Unis accorde le brevet no. 139 121 9 à Levi Strauss & Co. et Jacob Davis pour leur invention des jeans à rivets. C'est ainsi qu'est né le jean ou blue jean , initialement appelé "XX". En 1886 , ils inventent le logo de l'entreprise, qui représente deux chevaux accrochés aux pantalons de la marque Levi's, tirant dans le sens opposé pour démontrer la solidité et la résistance de ces pantalons. Au début du 21e siècle , ce logo est encore imprimé sur de nombreux vêtements de l'entreprise, ainsi que sur tous les pantalons de la marque, sur une plaque en cuir .situé à l'arrière du pantalon. En 1890 , l'emblématique pantalon "501" apparaît pour la première fois. En 1902 , Levi Strauss décède, et ses quatre petits-enfants reprennent l'affaire.

Le 18 avril 1906 , le siège social et deux usines de Levi Strauss & Co. sont détruits par le tremblement de terre de San Francisco et les incendies qu'il a provoqués. La nouvelle usine a été construite au 250 , rue Valencia . 10 11

En 1909 , les pantalons et vestes kaki commencent à être commercialisés ; et en 1912 LS&Co. lance la salopette pour enfant, une pièce en jean résistante et idéale pour jouer.

En 1918 , la marque lance les « Freedom-Alls » sur le marché. Un vêtement unique (tunique-pantalon) conçu pour donner aux femmes une liberté de mouvement et leur offrir des vêtements plus confortables que ce qui était disponible à l'époque pour les femmes. En 1928 , LS&Co. enregistre le nom Levi's en tant que marque.

Dans les années 1930, les authentiques "cowboys" portant des jeans Levi's sont devenus mythiques, et ce vêtement occidental est devenu synonyme de liberté et d'indépendance. Las personas del este que deseaban una auténtica experiencia vaquera se iban a los ranchos del oeste, donde adquirían su primer par de vaqueros Levi's, que al volver a casa mostraban a sus amigos, y así ayudaron a difundir la influencia del oeste en el resto del Pays.

En 1934 , les premiers jeans pour femmes, Lady Levi's, ont été fabriqués à partir de denim pré-rétréci et créés avec bon nombre des mêmes caractéristiques que les jeans 501 pour hommes. Il doit sa féminité à une taille haute élégante et ajustée.

En 1936 le "Red Tab" est placé pour la première fois sur la poche arrière droite d'un jean, et le mot LEVI'S est brodé en majuscules et en blanc sur un seul côté. L'étiquette rouge est destinée à différencier les jeans Levi's de ceux de la concurrence.

Dans les années 1950, les cow-boys étaient bannis de certaines écoles, notamment à l'Est, car ils étaient considérés comme une mauvaise influence. La représentation de "délinquants juvéniles" en jeans dans les téléfilms a conduit de nombreux directeurs d'école à interdire le vêtement en classe de peur que le port de l'uniforme rebelle n'incite les élèves à agir contre toute forme d'autorité.

En 1961 , les nouvelles silhouettes plus élancées des années 1960 inspirent le Slim Fit, pantalon à cinq poches pour jeunes garçons que les adolescents appellent Levi's blanc.

En 1967 , le logo Levi's est créé, la marque rouge de la maison en forme d'ailes de chauve -souris , dessinée par Walter Landor & Associates.

En 2002 , Levi Strauss entame une étroite collaboration commerciale avec Walmart , produisant une ligne spéciale de jeans "Signature" et d'autres vêtements à vendre exclusivement dans les magasins Walmart jusqu'en 2006. Levi Strauss est à la tête de l'industrie du vêtement dans les affaires de contrefaçon de marque déposée, déposant près de 100 procès contre des concurrents depuis 2001.

En février 2019 , la société annonce son retour en bourse après 39 ans en tant que société privée, et le 20 mars de la même année, la société annonce le prix de l' offre publique de vente , commençant à négocier deux jours plus tard sur le Nouveau Bourse de York au prix de 17 dollars par action, sous le symbole "LEVI".

Art Déco

L'Art Déco 1 (également Art Déco ou même Art Déco ) était un mouvement de design populaire de 1920 à 1939 (dont l'influence s'étend jusque dans les années 1950 dans certains pays) qui a influencé les arts décoratifs du monde tels que l'architecture, le design d'intérieur et le design graphique et industriel ; également aux arts visuels tels que la mode , la peinture , la gravure, la sculpture et la cinématographie.

Après l' Exposition universelle de 1900 à Paris, un certain nombre d'artistes français ( Hector Guimard , Eugène Grasset , Raoul Lachenal , Paul Follot , Maurice Dufrène et Émile Decour ) forment un collectif formel dédié aux arts décoratifs d'avant-garde. En 1925, ils organisèrent l' Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes à Paris , se faisant appeler les Modernes ; en fait, le terme art déco a été inventé dans la rétrospective intitulée "Les Années 25", qui s'est tenue à Paris au Musée des Arts Décoratifs(Musée des Arts Décoratifs) du 3 mars au 16 mai 1966 ; 2 Le terme est donc une apocope du mot français décoratif . Dans le monde hispanophone, la RAE l' a normalisé en art déco , avec le tilde dans le « e ».

Ce mouvement est, en un sens, un amalgame de nombreux styles et mouvements divers du début du XXe siècle , et contrairement à l'art nouveau , il s'inspire de la première avant-garde. Les influences viennent du constructivisme , du cubisme , du futurisme , de l'art nouveau lui-même , dont il est issu, et aussi du style rationaliste de l' école Bauhaus . Les découvertes archéologiques progressives dans l'Egypte ancienne ont également marqué de leur empreinte certaines lignes dures et la solidité des formes de l'art déco ., lié à la monumentalité et aux éléments de forte présence dans ses compositions.

En tant que style de l'âge des machines, il utilise les innovations de l'époque pour ses formes : lignes épurées, produit de l'aviation moderne, éclairage électrique, radio, paquebots et gratte-ciel. Ces influences de conception ont été exprimées sous des formes fractionnaires et cristallines, avec la présence de blocs cubistes ou de rectangles et l'utilisation de la symétrie. La couleur s'est nourrie des expériences du favisme ; les trapèzes, les facettes, les balançoires et une importante géométrisation des formes sont communs à l'art déco .

Correspondant à ses influences machinistes, l'Art Déco se caractérise également par les matériaux qu'il privilégie et utilise, tels que l'aluminium, l'inox, la laque, le bois incrusté, le galuchat et la peau de zèbre. L'utilisation de la typographie grasse, sans empattement ou sans empattement , le facettage et la ligne droite, brisée ou frettée (par opposition aux courbes sinueuses et naturalistes de l'art nouveau), les motifs compas ( chevron ) et l'ornement en forme de rayon de soleil sont typique de l'art déco . Certains motifs d'ornement ont été vus dans des applications très différentes : de la conception de chaussures pour femmes aux grilles de radiateur, en passant par la décoration intérieure des théâtres et des gratte-ciel comme leChrysler Building ou l' Empire State Building .

Le style art déco ne se limitait pas à l'architecture ; Le paquebot SS Normandie , dont le voyage inaugural a eu lieu en 1935, a été conçu en incorporant de nombreux motifs art déco dans son intérieur, dont une salle à manger dont le plafond et les décorations étaient en verre Lalique . D'autres navires avec une influence Art Déco dans leur décoration étaient l' Île de France , le Queen Mary et le Nieuw Amsterdam . L'Art Déco s'applique également au ferroviaire , comme dans le célèbre train Orient Express , 4 , et à l'aviation , comme dans l' avion 1000E Manhattan .

L' Art Déco a connu son apogée dans les années 1920 . Bien que de nombreux mouvements de design aient des racines ou des intentions politiques ou philosophiques, l'Art Déco était presque purement décoratif, c'est pourquoi il est considéré comme un style bourgeois. 

Malgré l'éclectisme de ses influences formelles et stylistiques, l'Art Déco est solide et possède une identité bien à lui. Il ne s'agit pas d'historicisme ou d'anachronisme ; il est fidèle à son époque et fait allusion à la notion futuriste de la révolution industrielle . Sa symbolique tourne autour du progrès, de l'ordre, de la ville et de l'urbain, de la machinerie. Elégant, fonctionnel et moderniste, art décoc'est une avancée contre l'art nouveau, qui réussit cette fois à générer un nouveau répertoire de formes en accord avec les problématiques et les imaginaires de son temps.

L'Art Déco était un style très opulent, et son exagération est attribuée à une réaction contre l'austérité forcée provoquée par la Première Guerre mondiale . Simultanément à une dépression économique croissante et au spectre imminent de la Seconde Guerre mondiale , il y avait un intense désir d'évasion. Les gens appréciaient les plaisirs de la vie et l' Art Déco à l' époque du Jazz .

Le mouvement art déco présenté à l'Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes (1925) qui s'est tenue sur l'esplanade des Invalides à Paris a fait une telle impression sur les visiteurs qu'il a été reproduit dans les moindres détails à New York , Buenos Aires , Tokyo , São Paulo . , Casablanca , Saigon , Phnom Penh , Chicago , Belgrade , parmi de nombreuses autres villes.

À New York, le Rockefeller Center et le Chrysler building ne sont que deux exemples, à Rio de Janeiro le Christ du Corcovado , et après eux, les villes mentionnées se sont rapidement transformées. 

Au Mexique, la ville de Cuernavaca, le quartier Condesa de Mexico , et d'autres quartiers périphériques mentionnés par Malcolm Lowry dans Bajo el Volcán emboîtent le pas ; en Colombie, la ville de Manizales , incendiée en 1925, a été reconstruite avec l'expertise des les architectes du moment importés par la classe émergente du café et l'une après l'autre toutes les villes du monde se sont régénérées avec leur coin art déco , moderne, provocateur, futuriste.

Le mouvement perdait de sa popularité dans les métropoles européennes et nord-américaines longtemps après avoir réussi une introduction massive, au point d'être utilisé pour représenter de faux semblants de luxe. En fin de compte, le style tomberait en déclin, compte tenu des austérités imposées par la Seconde Guerre mondiale.

Dans d' autres pays comme l' Inde , la Nouvelle - Zélande , Cuba , le Guatemala , l' Argentine , le Mexique , l' Équateur , les Philippines et le Venezuela , il est devenu une passerelle vers le modernisme et a continué à être utilisé jusque dans les années 1950 . En Amérique latine , pendant cette période, on trouve plusieurs représentants de l'art déco , comme l'Argentin José Fioravanti .

Un regain d' intérêt pour l ' art déco est venu des explorations du design graphique dans les années 1980 . Son association avec le film noir dans la cinématographie et l'allure glamour des années 1930 ont conduit à un nouvel usage de ce type d'expression à la fin des années 1980 dans des pièces publicitaires pour la joaillerie et dans l'univers de la mode et de la décoration hôtelière comme l' Hôtel Fairmont et le Palace . des Beaux-Arts de Mexico .

En France , les bâtiments art déco suivants se distinguent, entre autres : A Paris : la Piscine Molitor , Paris 16e , le Palais de la Porte Dorée , Paris 12e , construit en 1931 pour l'Exposition coloniale de Paris par l'architecte Albert Laprade , le cinéma du Grand Rex, 2ème Arrondissement de Paris , et le Palais de Tokyo (1937), et le Palais de Chaillot (1937), tous deux dans le 16ème arrondissement de Paris.

Architecture art déco à Reims: bureau de Lyautey au Palais de la Porte dorée ; Bibliothèque Carnegie (1921), Les Halles du Boulignrin (1929), architecte Maigrot ; Villa Douce (1929 à 1932), Villa Demoiselle, Église Saint-Nicaise (1923), Piscine du Tennis-Club (1920), Opéra de Reims, décoration intérieure (1931) ; Comptoir de l'Industrie (rue Cérès, 6-12), architectes : Marcel Rousseau et Émile Thion (1922) ; Cinéma Opéra (Rue de Thillois, 9-11), architectes : Marcel Rousseau et Émile Thion (1923) ; Hôtel de la mutualité (12 rue Langlet et 11 rue des Élus), architectes : Ferdinand Amann et Albert Cuvillier (1927) ; Rue de Vesle, 71 (rue des Capucins, 2-4), architecte : Lucien Gillet (1930) ; Familistère des Docks rémois, rue de Vesle, 18 (1-5, rue Talleyrand), architecte : Pol Gosset (1927) ; Ancien grand magasin Au Petit Paris (31-33 rue Talleyrand), architectes : Marcel Dastuque et Paul Viard (1924) ; Anciennes Galeries Rémoises (Rue Docteur-Jacquin, Rue de l'Arbalète) ; architectes : Léon Margotin et Louis Roubert (1934) ; rue Courmeaux, 22, architecte : Jacques Rapin (1923).

Autres lieux de France : Le village de Collet, situé à Ay (51160). Gare transatlantique de Cherbourg . Casino municipal de Biarritz . Immeuble d'habitation au 90 bis de la chaussée de l'Étang, à Saint-Mandé (94160), à proximité du 12e arrondissement de Paris ; architecte : Aristide Daniel (1930). Immeuble CGA, rue Racine, à Nantes . Maison bleue à Angers , Palais de la Méditerranée à Nice , Buffet Gare Saint-Quentin , Studio Saint James de Jacques Doucet, à Neuilly-sur-Seine , Église Saint-Blaise de Vichy, partie agrandie à partir de 1931. Église Sainte-Agnès de Maisons-Alfort . Tour de l' Horloge de Lille et Mairie de Lille. La Grand-Place de Béthune . Aquarium-Musée de Nancy .

Un autre exemple très important de l'art déco est la Basilique du Sacré-Cœur , à Bruxelles , en Belgique . Son architecte, Albert Van Huffel , a remporté le Premier Prix d'Architecture à l' Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes de Paris, en 1925. 

En Espagne , il est également possible de trouver de nombreux exemples du style art déco . Un bon exemple en est la Gran Vía à Madrid ou le Paseo de Gracia à Barcelone , où l'art déco coexiste avec le modernisme , le nom espagnol de l' art nouveau .

À Madrid , quelques bâtiments représentatifs sont : le site de la Calle Alcala 118, un immeuble résidentiel construit en 1930 à la demande du promoteur Don Alberto Colomina par l'architecte Fernando Arzadún e Ibarraran. sept

Valence possède une architecture art déco abondante , conséquence de la période de boom économique de l' entre -deux-guerres , au cours de laquelle l'Espagne est restée neutre. Particulièrement remarquables sont les bains publics de Las Arenas, le bâtiment du Rectorat de l'Université de Valence, dans lequel son dôme qui abritait le télescope de l'ancienne Faculté des Sciences 8 et les cinémas Rialto (1939, actuellement Filmoteca de la Generalidad Valenciana ), Capitol (transformé en immeuble de bureaux) et Metropol .

D'autres bâtiments basés sur ce type d'architecture qui se distinguent dans la ville sont la Maison juive de Guardiola Martínez (1930), le bâtiment Bombas Gens de Borso di Carminati (1930), le bâtiment Roig Vives , le bâtiment Martí Cortina (1943), le bâtiment Carlampio ou la résidence Luis Vives , tous conçus par l'architecte valencien Francisco Javier Goerlich , à qui sont dus la plupart des bâtiments de la période de transition entre l'architecture art déco et le rationalisme architectural valencien de la ville. La célèbre Finca Roja d'un autre architecte valencien ne peut pas être oubliée,Enrique Viedma Vidal , qui est considéré comme l'une des références les plus importantes de l'expressionnisme néerlandais avec d'importants détails art déco.

Bien qu'en dehors des grandes villes, des merveilles d'art déco se trouvent également en Catalogne ou dans la Communauté valencienne , comme le pont San Jorge (1931) à Alcoy (Alicante), en Cantabrie et dans les Asturies , notamment à Oviedo , Gijón et Langreo , compte tenu de la l'importance de l'industrie et de la richesse de ces villes à l'époque où ledit art était à la mode, et, dans une moindre mesure, en Andalousie et dans la Région de Murcie , où, outre sa capitale et Carthagène, un cas plus isolé peut également être trouvé dans le reste de la communauté.

Des exemples d' art déco au Portugal sont le théâtre Capitólio (1931) et le cinéma-théâtre Éden (1937), à Lisbonne ; le théâtre Rivoli (1937) et le Coliseu (1941), à Porto et le théâtre Rosa Damascena (1937), à Santarém .

A Londres , l'ancien stade de l'Arsenal arbore sa célèbre façade East Stand. Il se trouve toujours dans l'ancien club- house de l' Arsenal FC à Highbury , Islington, qui a été abandonné à l'été 2006. Ouvert en octobre 1936 , la structure a récemment été classée Grade II et transformée en immeuble d'appartements. William Bennie , l'homme qui a développé le projet, a appliqué l' Art Déco dans la conception finale, qui était considérée comme l'un des stades les plus opulents et les plus impressionnants du football mondial.

Le métro de Londres est également réputé pour avoir divers exemples d' art déco dans ses stations . 9​ Les éléments suivants se distinguent :

Station de métro Arnos Grove .Limite la station de métro Green .Station de métro Chiswick Park .Station de métro East Finchley .Station de métro Southgate .La station de métro Turnpike Lane .Station de métro Sudbury Town .

L'intérieur du palais d' Eltham , la bibliothèque du Sénat de l' Université de Londres et son siège social, la Shell Mex House , la centrale électrique de Battersea , l' hôtel Dorchester et l' Odeon Leicester Square sont également remarquables à Londres .

Des exemples notables de bâtiments Art déco survivent à Athènes , où la version locale s'inspire à la fois du néoclassicisme et de l'art mycénien, archaïque et byzantin.

Miami Beach ( États-Unis ) possède une vaste collection de bâtiments Art déco , avec une trentaine de blocs d'hôtels et d'immeubles résidentiels des années 1920 aux années 1940. En 1979, le quartier historique Art Déco de Miami Beach est inscrit au registre national des lieux historiques . Presque tous les bâtiments ont été restaurés et repeints dans leurs tons pastel d'origine . 11

Los Angeles possède également une abondance d' architecture Art Déco , en particulier le long de Wilshire Boulevard , une artère majeure qui a connu un boom de la construction dans les années 1920. Des exemples notables incluent Bullocks Wilshire et le Pellissier Building et le Wiltern Theatre , construits respectivement en 1929 et 1931. Les deux bâtiments ont été récemment restaurés. 12 13

Fair Park à Dallas , au Texas , reste l'une des plus grandes collections de structures Art déco au monde . Une grande partie du patrimoine Art Déco de Tulsa , Oklahoma , appartient au deuxième boom pétrolier. 14 ​Houston , au Texas, compte encore quelques bâtiments, tels que l'hôtel de ville , le bâtiment JPMorgan Chase , le bâtiment Ezekiel W. Cullen et le musée de l'aérogare de 1940 , bien que beaucoup aient disparu en raison du développement immobilier. 15 A Beaumont , leLe palais de justice du comté de Jefferson , construit en 1931, est l'un des rares bâtiments Art Déco encore debout dans cette ville. Le Kyle Block , un espace commercial au centre-ville de Beaumont, est un bon exemple d'architecture déco en zig-zag.

Kansas City a son " Power and Light Building ", achevé en 1931. Ce bâtiment est un excellent exemple de la Grande Dépression et de ses effets sur la construction Art Déco . Les plans originaux prévoyaient la construction d'une tour jumelle à l'ouest. Cependant, cela n'a jamais été fait en raison de problèmes de budget. Par conséquent, cette tour de 145 mètres a un côté ouest nu, sans fenêtres. D' autres exemples de bâtiments art déco à Kansas City comprennent l ' auditorium municipal , le palais de justice du comté de Jackson , l' hôtel de ville et le 909 Walnut Building .

Cincinnati , Ohio a son Union Terminal , une gare ferroviaire de passagers de style Art déco qui a été achevée en 1933. Après le déclin du chemin de fer comme moyen de transport, la majeure partie du bâtiment a été utilisée à d'autres fins. Il abrite aujourd'hui le Cincinnati Museum Center , qui reçoit plus d'un million de visiteurs par an, et est le 17e musée le plus visité des États-Unis. 1617 Cette ville possède également la Carew Tower , un gratte-ciel art déco de 49 étages construit en 1931.

En 2005, le plus grand projet de restauration de résidences d'immeubles art déco aux États-Unis a commencé , dans le New Jersey . Le centre médical de Jersey City (un site historique national) de 56 550 m² a été transformé en une enclave résidentielle, et trois des nombreux bâtiments du site ont été achevés en 2009.

Enfin, l'un des exemples les plus célèbres de décoration art déco qui subsiste est le célèbre RMS Queen Mary , actuellement ancré à la retraite à Long Beach , en Californie , en tant qu'hôtel flottant et musée, un véritable rappel des gloires passées de l'une des étaient de nombreux paquebots, et de la période art déco .

Certains des meilleurs exemples d' art et d'architecture Art déco qui subsistent se trouvent à La Havane ( Cuba ). Le bâtiment Bacardi se distingue par son style particulier, 18 qui reflète les thèmes classiques de l'art déco . Le style a été appliqué aux résidences, aux immeubles de bureaux, aux hôtels et à de nombreux autres types d'art décoratif, de meubles et d'ustensiles dans les bâtiments publics ainsi que dans les habitations privées. 19

Un autre pays avec de nombreux exemples d' architecture art déco riche est le Brésil , en particulier à Goiânia et dans des villes telles que Cipó ( Bahia ), Irai ( Rio Grande do Sul ) et Rio de Janeiro , en particulier Copacabana . Toujours dans le nord-est brésilien - notamment dans de petites villes comme Campina Grande dans l'État de Paraíba - il existe un nombre notable de bâtiments art déco , un groupe qui a été appelé "Sertanejo Art Deco" pour ses caractéristiques architecturales particulières. vingtLa raison pour laquelle ce style était si répandu au Brésil est qu'il a coïncidé avec la croissance rapide et les changements économiques radicaux que le pays a subis dans les années 1930.

L'Art Déco connaît également un grand succès dans les grandes villes d' Argentine et d' Uruguay , notamment dans la région du Río de la Plata , à l'âme cosmopolite et toujours fortement influencée par les nouveautés européennes. À Buenos Aires, il a connu son apogée dans la seconde moitié des années 1920, avec d'importants bâtiments réalisés par l'architecte novateur Alejandro Virasoro (ses œuvres les plus connues sont la Casa del Teatro et La Equitativa del Plata ). 

Le bâtiment Kavanagh, l'un des symboles de la ville, possède un volume en escalier très typique de l'art déco, bien qu'il soit presque totalement dépourvu d'ornementation, et la Faculté de médecine de l' UBA sont d'autres exemples de grandes dimensions, et occupent un bloc entier avec leur façades décalées Dans diverses villes de la province de Buenos Aires , l'architecte Francisco Salamone a créé une grande variété de bâtiments dans un style très particulier, alliant l'Art déco au futurisme italien , peut-être un cas unique. 

Comme cas particulier, le Palais Minetti se distingue dans la ville de Rosario , couronné par deux statues en bronze. DansCórdoba (Argentine) le stade du Club Atlético Talleres, appelé Barrio Jardín Boutique, est le reflet du style art déco de cette ville, conçu par les ingénieurs civils, S. Allende Posse et Agenor Villagra. A Buenos Aires , le stade Club Atlético Huracán , situé au sud de sa ville, fut le premier stade art déco de toute l'Amérique, c'est un édifice inestimable protégé par la législature de son pays comme "Patrimoine Historique et Défense Culturelle", sous le numéro de dossier 62548-2005 ; Il a été conservé intact depuis son inauguration. [ citation nécessaire ] 

Toujours à Montevideo , il existe plusieurs exemples notables d'architecture art déco, du Palacio Rinaldi (Avda. 18 de Julio 839/841 esq. Plaza Independencia), et sont facilement accessibles en faisant un circuit dans le centre-ville : Palacio Díaz (Avda. 18 de Julio de 1333, entre Yaguarón et Ejido), Palacio Tapié (angle constituant 1402 avec Santiago du Chili), Immeuble Lux (angle constituant 1661 avec José E. Rodó), Immeuble Parme (Avda. 18 de julio de 1645 coin Minas). 

Barranquilla , Colombie , est considérée comme une ville art déco en raison du nombre de bâtiments de ce style, à l'introduction desquels l'architecte cubain Manuel Carrerá a contribué dans les années 1930 avec des œuvres telles que le bâtiment García, le théâtre Rex, le bâtiment Scadta ou le Colón théâtre. 

Napier , en Nouvelle - Zélande , a été reconstruite dans le style art déco après avoir été détruite par le tremblement de terre de Hawke 's Bay le 3 février 1931 . Bien que quelques bâtiments Art déco aient été remplacés par des structures plus contemporaines au cours des années 1960 à 1990, une grande partie du centre-ville est restée intacte assez longtemps pour être reconnue comme architecturalement unique, et depuis les années 1990, elle a été restaurée et protégée. . En 2007, Napier a été nominé pour un site du patrimoine mondial et a été le premier lieu culturel nominé en Nouvelle- Zélande 2324​

Hastings , en Nouvelle-Zélande, a également été reconstruite dans le style Art Déco après le tremblement de terre de Hawke's Bay, et de nombreux bâtiments ont survécu à cette époque.

Mumbai ( Inde ) est la deuxième ville en nombre de bâtiments art déco , après Miami . 25

En Chine , au moins soixante bâtiments Art déco ont été conçus par l'architecte hongrois Laszlo Hudec et survivent dans le centre de Shanghai .

En Indonésie , le plus grand parc de bâtiments de l' époque des Indes néerlandaises se trouve dans les grandes villes de Java . Bandung est un cas particulier, possédant l'une des plus importantes collections de bâtiments Art déco des années 1920 encore debout dans le monde, 26 grâce au travail remarquable de nombreux architectes et urbanistes hollandais, dont Albert Aalbers , qui a ajouté le style impressionniste au style art déco avec sa conception de la Banque Denis (1936) et sa rénovation de l' hôtel Savoy Homann (1939), et Thomas Karsten , Henri Maclaine-Pont ,J. Gerber et C.P.W. Schoemaker . 

Le Nederlandsche Handel Maatschappij Building (1929), actuellement le Bank Mandiri Museum , par J. de Bryun , A. P. Smiths et C. Van de Linde et la Jakarta Kota Station (1929), conçu par Frans Johan Louwrens Ghijsels , sont les cas d'art déco à pied de Jakarta .

Le théâtre métropolitain de Manille , situé sur la rue P. Burgos à Manille , est l'un des rares exemples d' art déco existant aux Philippines ....